despacho breve de un festival que cada vez mejora y trae mas sorpresas— falto espacio para tantas pelis pero bueno…

Después de ver un promedio de cuatro a cinco películas diarias de cine-arte latinoamericano en el último y mejoradísimo Sanfic 6, seguí el consejo de un amigo director y traté de desintoxicarme. Lo hice con Date Night, una comedia no tan disparatada ni mucho menos perfecta, fabricada por Hollywood con dos estrellas surgidas de la TV: Steve Carell y la grandiosa Tina Fey. No hubo, por cierto, nada remotamente parecido en el Sanfic a Date Night y no tiene por qué haberlo. Uno puede ver cintas como ésta (un matrimonio decide salir en una cita romántica sin niños y terminan en medio de una persecución) a cada rato, pero mientras la veía nunca pensé en salirme y, lo mejor, nunca pensé que el director estaba más preocupado de cómo dirigía que de seducir y entretener al espectador.

Y quizás ésa es la vara que mide el gran cine (y Date Night, ojo, no lo es) con el cine que trata de ser grande y que no lo es, aunque pueda ser novedoso, lento, raro o una suma de las tres cosas. No todas las cintas que no llegan a la cartelera son obras maestras, pero en un mundo perfecto uno tendría la posibilidad de poder verlas igual en salas grandes y con la butacas llenas de gente sudando adrenalina. Ésa es la gracia del Sanfic: crear un mundo que no es el mundo real. Por una semana, la cinta pequeña y alternativa lograr transformarse en Avatar.

En un festival como Sanfic todo puede pasar. Por cada joya, se ven tres bochornos que creen que arte es experimentar, tanto que se terminan copiando los clichés de otras cintas desarticuladas que han embaucado a jurados inseguros en ciudades del norte de Europa y -quizás el peor de los pecados- se cree que hay dos elementos que ya no son necesarios: el guión y la empatía. Bienvenidos a la era del docudrama o la ficción documental, donde los actores no son bienvenidos y donde Billy Wilder y Woody Allen y Eric Rohmer son considerados el enemigo.

Varias tendencias se pudieron detectar después de ver más de 25 filmes. Quizás las tendencias más fáciles de destacar fueron: el síndrome del making of (donde lo más fascinante de la cinta es la historia de cómo se realizó o concibió, algo que siempre le gusta a la prensa); y la oda rousseauniana o remakes de arte tipo “La laguna azul” (cintas sobre extraños que van a islas o sitios ajenos, como la sobrevalorada, escamada y últimamente tramposa Alamar o El calambre de un cineasta mexicano que no es ni será Terrence Malick). “Gummo”, “Tarnation” y “Los muertos”, esta última de Lisandro Alonso, no se exhibieron, pero cintas inspiradas en ella abundaron e incluso agotaron.

La mejor cinta que vi fue la que, además, terminó ganando aunque es una pena que tuviera que compartir el premio con la que más me sulfuró: “Alamar”, pero bueno, la cinta eco-mexicana desaparecerá y, poco a poco, Matthew Porterfield irá consolidándose. Putty Hill, una cinta americana tan alejada de Hollywood, que termina rescatando lo mejor que hizo Hollywood durante los años 70. Una cinta coral sobre un grupo de veinteañeros que parecen los zombis de un país devastado, donde la familia desapareció hace años y lo único que queda son las ruinas humeantes. Todos están ligados a Cory, un chico que quizás tuvo la buena idea de morir de una sobredosis y saltarse el mundo tal como lo conocemos. El llamado mundo del white trash acá es tratado con gloria, sensualidad y cariño. Matthew Porterfield conoce esa gente y además tiene la buena idea de entrevistarlos sin guión, pero no cae en el síndrome del making of porque si bien él mismo confiesa que su guión fue “delgado”, Porterfield entiende que el único mundo que conoce y domina, que le duele y del cual nunca va a escapar, es el barrio de Putty Hill, al norte de Baltimore. Su mundo es atroz, pero su mirada tiene estética y verdad: es verano, hace calor y el todo parece a punto a derrumbarse, pero no por eso la gente no puede tatuarse, bañarse en un río, pasar tardes en una piscina inflable o cantar karaoke durante una fiesta post funeral, en una secuencia tan inspirada y cargada que remite nada menos que al final de El francotirador de Cimino. Matthew Porterfield es un total marginal y, quizás por no contar con las caricias europeas con que cuentan muchos cineastas latinoamericanos, no tiene que rendirle cuentas a nadie, excepto a sus propios fantasmas.

Los cortos nacionales siempre son un buen lugar donde conocer talentos nuevos, tanto detrás como delante de la cámara. En Bruselas, filmada en Nueva York con una cámara de foto fija digital Canon, Omar Zúñiga Hidalgo cree tanto en sus personajes y en el guión (los buenos silencios son parte de un guión) que, claramente, no obtuvo ni una mención especial. Pero no me cabe duda que ahí hay un cineasta que lee, que entiende, que conecta, que no tropieza con la moda y que sabe que menos es más.
Sanfic es el festival donde los chilenos pueden debutar o estrenar de la mejor manera, y buena parte de la delegación que casi se tomó el último Bafici estuvo presente, como la encantadora y creativa y extremadamente chilena 31 de abril, que sin duda conectó con el público, que la premió como su favorita. Víctor Cubillos sabe lo que hace y tiene pura buena fe y entusiasmo. Quizás demasiado porque la cinta apuesta mucho también a un final que, para mi gusto, no es tan importante como lo venden, puesto que la película perfectamente puede pararse sola, por sí misma. Otro filme donde el relato del making of casi se come al relato real, que funciona y emociona y está lleno de verdad, y que ojalá pueda estrenarse, verse y por cierto aplaudirse.

Ariel estaría contento— felicitaciones, Pablo. Una película como Velódromo es en rigor la versión fílmica del personaje principal pues el personaje es la película: su visión, su mirada, su voz. Gran premio!

FUGUET ESTRENA SU ULTIMO FILME EN CINES, CABLE e INTERNET

El escritor y director exhibió Velódromo en Sanfic, cinta que llega a salas el 16 de septiembre.

Este miércoles en la noche Alberto Fuguet presentó por primera vez en Chile su película Velódromo dentro del Sexto Festival Internacional de Cine de Santiago (Sanfic 6) y hacia el final de la función la respuesta del público fue cálida, comprometida y con una serie de preguntas que mantuvieron a su realizador por varios minutos en la sala. Velódromo es una de las nueve cintas chilenas en competencia en el encuentro y ya en abril de este año estuvo exhibiéndose en el Festival de Cine de Buenos Aires (Bafici).

El filme protagonizado por Pablo Cerda, Francisca Lewin y Lalo Prieto cuenta en 110 minutos los avatares de Ariel Roth, un diseñador en la medianía de los 30 años que al parecer sólo hace dos cosas bien en la vida: pedalear en su bicicleta por las calles de Santiago y descargar películas de internet. Quizás como un guiño al estilo de vida de su protagonista, siempre conectado a la red, Velódromo se estrenará comercialmente de una forma no tradicional, utilizando varias plataformas al mismo tiempo.

A diferencia de la exhibición normal de una cinta en salas (y donde permanece hasta que la taquilla la saca de cartelera), el segundo trabajo de Fuguet tendrá una exhibición de sólo dos semanas en la sala multimedial El ladrón de bicicletas, nuevo recinto ubicado en pleno Barrio Bellavista (Dardignac 0163) y que es de propiedad del periodista y figura de TVN Carlos Pinto.

El filme se dará en esa sala desde el 16 de septiembre, pero desde esa misma fecha también se podrá ver por la señal de cable VTR a través de su sistema de Video On Demand (películas compradas a gusto del consumidor) y por la misma vía en Bazuca.com

Esta modalidad de “estreno a tres pistas” como la llama Fuguet es única en el país, pero ya tiene antecedentes en Estados Unidos con Steven Soderbergh (quien estrenó sus filmes Bubble y The girlfriend experience en varias plataformas al mismo tiempo). En Europa, además, Jean-Luc Godard exhibió su última cinta Filme socialisme al mismo tiempo en Cannes 2010 y en internet de pago.

“El concepto de las ventanas (estrenar primero en el cine, luego en el DVD, después en el cable) está obsoleto. Desde que apareció el Iphone ya no tiene sentido. Por el contrario, yo suscribo la teoría de las habitaciones: es decir, cada quien ve la película donde más le acomode. Una familia quizás la ve en el cable, un universitario puede tener tiempo de ir al cine, un tipo con mucho trabajo solamente la puede ver en internet. Y no me importa que todo sea al mismo tiempo”, dice Fuguet, quien adelanta que a fin de año la película se podrá ver gratis en su propio portal web Cinepata.com

OK– esta llegando la hora…

VELODROMO se da por primera vez, de forma oficial, en SANTIAGO de CHILE en la competencia nacional del SANFIC 6

ESTAS SON LAS FECHAS DE LAS UNICAS DOS FUNCIONES:

Velódromo
Chile, 2010
Director: Alberto Fuguet

Este film es una comedia existencial sobre Ariel Roth, un diseñador gráfico a punto de cumplir los 35 años y que no se preocupa demasiado por su futuro.

Miércoles 18, 21:00 hrs. CineHoyts La Reina, Sala 14.

Jueves 19, 18:10 hrs. CineHoyts La Reina, Sala 14.

VELODROMO se exhibirá “de forma regular” en septiembre–ojo

trailer oficial de VELODROMO

aqui va, gentileza de Jameson, x fin el trailer/sinópsis de la peli…

www.cinepata.com

pronto en Sanfic, pronto en…

recuerdos ciclísticos de Ciudad de México. Que vivan todos los velódromos y todas las ciclovías.

(continue reading…)

después de varios años de no filmar nada por estar entrampado en el cine “siglo 20″, y y a cinco años de Se arrienda, ya puedo decir con algo de satisfacción que tengo dos pelis en un año, más el corto del 2009: MUSICA CAMPESINA, rodada 100% en USA. Estreno posible: un festival primer semestre 2011, post Velódromo.

Pablo Cerda como Alejandro Tazo, en el Drake Motel, Nashville, Tennessee

Me cae bien México porque en el DF hay una estación de metro llamada VELODROMO. En el próximo HAY FESTIVAL, que se desarrollará la otra semana, presentaré Velódromo allá. También hablaré de cines y de libros. Bien. Velódromo se dara en la Cineteca de Zacatecas a las 20:30 horas el domingo 18 de julio. A las 133o, ese mismo día, una charla con cinéfilos y escritores, con el gran título de FILMANDO PALABRAS en el Museo Abstracto. Luego DF y promo de Missing en MX.

un rant contra los e-mails que, en rigor, puede ser contra la red en general. en rigor, nada en contra y todo en contra. solo una cosa: es bastante mas fácil escribir y crear sin la red. se gana algo, se pierde harto. un post para Que Pasa.

UNA PIEDRA EN EL ZAPATO DIGITAL

Un amigo del hemisferio norte, que es bastante buen amigo digital porque tiende a enviar mails de dos líneas, y responde a mis consultas con un escueto pero preciso y cariñoso OK o, a lo más, “coordinemos una junta por Skype”, optó por eliminar incluso esos mínimos mails.

-Mejor nos vemos en vivo cada tantos años y nos ponemos al día ahí.

Hay algo de cierto en eso. A veces me envía un link para que lea, pero sé que eso no implica nada más, no es necesario responder “gracias por el link”. El link es para leerlo, punto. El tipo tiró la esponja. “Quiero ser el Philip Roth digital”. Es decir, no ser digital, aunque eso no implica desenchufarse. Quiere tener internet, computadora, quiere estar suscrito a podcasts y hasta bloguear, simplemente no quiere ser menos importante en su vida que su “inbox”

No es la red, ni siquiera Facebook (eh… ¿para qué sirve?), sino los mails los que nos están limando nuestros dedos y encogiendo nuestro cerebro.  Al menos el mío. Quizás exagero, pero debo 72 mails y, la verdad, no deseo responder ni uno porque siento que me licuan la mente. Ni siquiera voy a tocar el tema de las peleas digitales, esos malos ratos en que uno se ve atrapado en situaciones ingratas por el mal uso de una coma, o un subrayado o un garabato mal puesto. Mucha gente ha sido herida cuando a lo más quería echar una talla

Un “no” escrito al azar puede ser peor que un combo en la cara. Odio además la gente que envía chistes, pero mi asco no llega ni cerca al nudo que me provoca ver mi carpeta de borradores repleta. Tal como en invierno uno recuerda los días de verano, hay días que recuerdo que no tenía más de dos o tres mails en mis borradores. Pero mi odio no es un odio a los spams o a los mails de la gente que no conozco sino a la gente que uno conoce. Ahí es donde se mezcla la culpa, la duda y la desconfianza hacia uno mismo surge, porque no querer responder implica, de alguna manera, despreciar o ningunear o evitar a los que te enviaron esos mails. Y en rigor no es eso. Pero algo es, porque de pronto uno ve que “es tu vida” versus “son tus mails”.

Después de más de una docena de años usando este gran invento, creo que mi diagnóstico es más bien negativo. He salido dañado. Soy peor persona, he perdido horas irrecuperables. Mis mejores recuerdos han sido cuando he estado SIN CONEXIÓN. No vivo online, pero a veces siento que, por no vivir 100% conectado, la paso peor. Cada día envío menos, cada vez respondo menos. Cada vez más, capto que si no respondí en cinco días, mejor que los borre.

En qué momento este gran, gran invento se transformó en una pesadilla? ¿En qué momento logré que casi no me llegara spam para pronto empezar a sentir que casi todos sí lo son? ¿Por qué siento que son algo así como una afrenta a mi persona? ¿Por el solo hecho de implicar pega / trabajo? Quizás. ¿Por qué siento algo parecido a una violación de mi espacio-tiempo cada vez que me llega uno de alguien con que no he hablado por teléfono en meses? Cuando uno despierta y lo primero que piensas es “cuántos mails tengo acumulados”, algo está mal. Hay estadísticas que señalan que después de dormir, responder mails es la segunda actividad que ocupa más tiempo en el día en un ser humano. ¿Eso es humano?

Me pidieron que escribiera de la Nueva Orleans mediática para Qué Pasa.
Escribí esto:

Caída y resurrección.
Sucede.
Cuando el huracán Katrina arrasó con Nueva Orleans, la mítica ciudad a orillas del Mississippi, ésta ya había alcanzado un sitial en la cultura popular que estaba convirtiéndola en algo así como una autoparodia. Tanto así, que cuando el huracán la azotó, el mundo -partiendo por los propios norteamericanos- quedó en shock al ver que quizás era una ciudad tercermundista. ¿Era la misma metrópoli del jazz, del sexo promiscuo, de los vampiros, del eterno carnaval de Bourbon Street? Nueva Orleans había sufrido algo así como la maldición del realismo mágico. ¿Qué importa sufrir, no tener todo, si la vida no es más que siestas húmedas, comida gumbo, croissants franceses y un laissez-faire de costumbres creole que en otras partes serían ilegales? Desde Un tranvía llamado deseo hasta Entrevista con el vampiro, Nueva Orleans era sinónimo de humedad cachonda y excesos sin fin.

El huracán, claro, cambió todo eso. Al menos, audiovisualmente. Y sin querer pienso: ¿podría pasarle esto a Talcahuano? ¿Por qué ese puerto nunca ha sido parte de nuestro imaginario? ¿Por que Valparaíso siempre gana? A lo mejor Talcahuano siempre ha sido nuestro Nueva Orleans, pero no lo sabíamos. No recuerdo novela o película o comercial o documental que lo haya hecho existir antes del 27 de febrero. ¿Talcahuano resucitará no sólo urbanamente, sino artísticamente? ¿Podrá gatillar nuestro imaginario ahora que la hemos visto de manera tan severa? Lo que Katrina le dio a la menos americana de las ciudades americanas es la dignidad del fracaso, las cicatrices de las heridas y la calma del que tropezó y tiene que volver a armarse.

Esta semana vi los primeros cuatro capítulos de Treme, la notable y cautivadora nueva serie de HBO -que pronto debutará en el cable- acerca de Nueva Orleans y de aquellos que se quedaron una vez que las cámaras se aburrieron del horror-en-directo. Con una estructura que se deja llevar tal como una improvisación de jazz (y que nada tiene que ver con lo que enseña Robert McKee), Treme deambula y enfoca y desenfoca a una docena de personajes que nunca habían sido filmados. Creada por los mismo ases de The Wire, Treme se fija en barrios y calles y en personas que fueron evitadas como la lepra por todas las producciones que pasaron por ahí. Pocas veces la música ha sido mejor usada y de manera tan creativa como en esta serie, que sigue demostrando que la tele sí puede ser el arte de nuestro siglo.

Un policía corrupto quiere ser un remake de la sobregirada cinta de Abel Ferrara de los 90, pero es el encuentro explosivo y desordenado de Werner Herzog con Nicolas Cage y con una ciudad -ambientada en Nueva Orleans- vencida y plagada de drogas duras, cocodrilos atropellados y prostitutas voluptuosas. Quizás nada hace sentido, pero Herzog es el guía turístico que siempre te llevará donde no hay que ir. Uno huele el sudor, el pantano y la madera hinchada y podrida por el agua. Herzog intenta transformar a Cage en Kinski y casi lo logra. La película no es arte, pero tampoco es basura. Quizás es un poco de las dos cosas.